LICHT

Bauhaus Material sensibility / バウハウス 素材の感覚

近代建築の父と呼ばれるコルビジェに並んで、モダニズムととも必ず出てくる名前。それは間違いなく「バウハウス」だろう。僕のような建築史の素人が、「バウハウス」の詳細や概要をここで記すのは控えるが、とにかくその「学校」で教鞭をとった教授陣の名前を列挙しただけでも凄まじいものがある。

日本人は、建築家の山脇巌とその妻道子、ならびに同じく建築家の水谷武彦などが、大正時代に文字通り太平洋から大西洋へと海を渡り、その講義の受講生としてワイマール時代のドイツで生活していたことが知られている。

山脇夫妻は太平洋を渡り、アメリカ横断後のニューヨークのマンハッタンで、かの有名なチャールズ・リンドバーグの凱旋パレードに遭遇してもいる。欧州へ向かう道すがらの出来事であったという。

時は1927年、人類で初めて大西洋を単独飛行した歴史的な瞬間である。大戦前のナチスの影響化で、山脇夫婦らの学んだバウハウスは、わずか14年で解体されてしまう。そして、デッサウという当時の最先端の航空産業の興った都市に、代表的な建築群は燦然と残されている。

僕が、初めてそれらのバウハウスの建築群を巡ったのは、2015年のことである。印象的だったのは、撮影中に何度も建築に「撮らされている」と感じたことである。特にグロピウスの設計したバウハウス校舎は、その感覚が顕著だった。

建築物は、基本的にどこから撮影しても良いはずだが、そんな自由をグロピウスの建築は許さない。無駄を徹底的に排除した機能美には、威厳があり、安易な撮影の自由が制限されている（これはあくまで僕の心情的な話）ように感じたことだった。建築自体に緊張感があり、ファインダーを覗きながら、幾度も居心地が悪く、結局「あるポイント」に移動させられて、撮影させられてしまう。それらをどこまでずらすことができるのか。まるで建築と対話し、葛藤し、微調整を繰り返しながら、僕はバウハウスの「切実なミニマリズム」を体感することとなる。

バウハウスは重要科目の一つとして、グラフィックデザインを含む写真教育も組み込まれていたことは、有名なことであるが、その講義には稀代の写真家であるモホリ・ナギが当たっていた。彼の言葉を少し引用してみよう。この言説がバウハウス全体の精神として通底しているかは、意見が分かれると思うが、SNS全盛の現代において、教育のあり方や、芸術のあり方に多くの示唆が含まれているように思われる。

「全ての健全な人間は、自分の仕事に内面から同意できる時、人間であることに基づいた創造的な力を持って、活動できる豊かな能力を持っている。

もともと全ての人間は、感覚的な体験を受け入れ、獲得する能力を持ち、誰もが音や色彩、触覚と空間感覚で、身の安全を図る。（中略）すべての健全な人間は、話をするときには演説者であるように、積極的には音楽家、画家、彫刻家、建築家などである。人間は自己の感覚にそれぞれの材料で形態を与えることができるのだ。この主張が正しいことを証明するのは、まさに生活そのものである。」

ーL・モホリ・ナギ『材料から建築へ」より

引用ついでに、先述の山脇道子の言葉を借りて、このジャーナルを締めたいと思う。日本はとかくモダニズムに関しては、その「波に晒された」という言い方をするが、山脇夫妻は、初めてのモダニズム教育機関とも呼ばれるバウハウスに参加して「モダニズムの波」を直接に肌で感じた稀有な日本人と言えるだろう。バウハウスの絵画部門の講義の中で、カディンスキーやジョセフ・アルバースらの薫陶を受けた彼女は、元々父親が、裏千家の茶人で、実家に茶室が２つもあったというような人物である。幼少より茶の湯の世界に親しんでいた彼女は、少し陳腐な言い方になってしまうが、日本の文化を当時のドイツに紹介する相互の文化の架け橋となった人物でもある。以下は、山脇道子の著作『バウハウスと茶の湯』より引用。

「私がバウハウスでも学んだことを一言で言えばものを見る目です。素材の特性を研究し、その美しさを発見する。そして素材の持つ性質と独特の構造を作り出し、その形を吟味して使用する目的としっかり結びつける。建築、インテリア、彫刻、絵画、織物、染色、専門問わず、同じ角度で考えることができます。ものを見ると言う事は自由なことですが、感覚と理論と技術の裏付けが大切なのです。それはとりもなおさず、茶の湯の世界にも当てはまるものです。茶の湯の道具の機能性は、バウハウスの不要なものを取り除く機能性と似ています。無駄なものを極限まで省いた、その先に残ったいくつかの要素が、最初からそこにあったかのような存在感をもち、調和しているのです。

（中略）

茶の湯の世界では、道具を作るために、土をこねたり、竹を編んだりと手を動かすことで、素材の性質を体得しますが、それは素材の性質をあらゆる感覚を通して理解するバウハウスの教えと似ています。」

テキスト：石塚元太良

リヒトでは、2025年3月より全日空の機内誌によりアサインされた仕事で8年間にわたり世界のモダニズム建築を撮影してきた写真家・石塚元太良によるモダニズム建築のオリジナルプリントの展示販売を致します。プリントはジャーナルとともに定期的に更新いたします。

大判カメラを携え歴史的なモダニズム建築の息づく現地に赴き、撮影から暗室プリントまでを自身で手掛ける石塚。長い時間経過から生まれるプリントは物質としての魅力も放ちます。断片的に切り取られたモダニズム建築の残映と、リヒトに置かれたプロダクトが媒介となって、現実と想像の領域が交差する空間を作り出し、石塚がジャーナルにも込める問いを静謐に投げかます。

2回目のプリントは、ドイツ・デッサウにあるグロピウスが設計したバウハウスの校舎。

ED3、63cm x 50cm（額装サイズ）、￥380.000 + 税
ストアまでお問合せ下さい。

石塚元太良
1977年、東京生まれ。2004年に日本写真家協会賞新人賞を受賞し、その後2011年文化庁在外芸術家派遣員に選ばれる。初期の作品では、ドキュメンタリーとアートを横断するような手法を用い、その集大成ともいえる写真集『PIPELINE ICELAND/ALASKA』（講談社刊）で2014年度東川写真新人作家賞を受賞。また、2016年にSteidl Book Award Japanでグランプリを受賞し、写真集『GOLD RUSH ALASKA』がドイツのSteidl社から出版される予定。2019年には、ポーラ美術館で開催された「シンコペーション：世紀の巨匠たちと現代アート」展で、セザンヌやマグリットなどの近代絵画と比較するように配置されたインスタレーションで話題を呼んだ。2022年国立新美術館で行われた「Domani:明日展」でメインビジュアルを担当。近年は、暗室で露光した印画紙を用いた立体作品や、多層に印画紙を編み込んだモザイク状の作品など、写真が平易な情報のみに終始してしまうSNS時代に写真表現の空間性の再解釈を試みている。2026年奈良市立写真美術館にて個展が開催予定。

@Gentaro Ishizuka

Alongside Le Corbusier, known as the father of modern architecture, there is another name that always comes up in connection with modernism. That name is undoubtedly “Bauhaus.”As someone with only a basic knowledge of architectural history, I will refrain from going into detail about the Bauhaus here, but even just listing the names of the professors who taught at this “school” is impressive.It is known that Japanese architects Yamawaki Iwao and his wife Michiko, along with fellow architect Mizutani Takuhiko, crossed the Pacific Ocean to the Atlantic during the Taisho era and lived in Germany during the Weimar period as students of the Bauhaus lectures. The Yamawaki couple crossed the Pacific, traveled across the United States, and encountered the famous Charles Lindbergh's victory parade in Manhattan, New York. This occurred on their way to Europe. It was 1927, a historic moment when Lindbergh became the first person to fly solo across the Atlantic. Due to the influence of the Nazis before World War II, the Bauhaus where Yamawaki and his wife studied was dismantled after only 14 years. However, the representative buildings remain in Dessau, a city that was at the forefront of the aviation industry at the time.The first time I visited those Bauhaus buildings was in 2015. What struck me was that during the photography, I repeatedly felt as though the buildings were “forcing me to photograph them.” This sensation was particularly pronounced in the Bauhaus school building designed by Gropius.While buildings should theoretically allow photography from any angle, Gropius's architecture does not permit such freedom. The functional beauty achieved by eliminating all unnecessary elements exudes a sense of dignity, and I felt that the freedom to photograph casually was restricted (this is purely a personal observation). The architecture itself carries a sense of tension, and while peering through the viewfinder, I often felt uneasy, eventually being guided to “a specific point” where I was compelled to photograph.How far can one shift these points? It was as if I were engaging in a dialogue with the architecture, struggling with it, and repeatedly making adjustments, ultimately experiencing the “urgent minimalism” of the Bauhaus.

It is well-known that the Bauhaus incorporated photography education, including graphic design, as one of its core subjects, and the lectures were led by the legendary photographer Moholy-Nagy.Let me quote some of his words. Whether this discourse underlies the spirit of the Bauhaus as a whole is a matter of opinion, but in today's age of social media, it seems to contain many implications for the nature of education and art.

"All healthy human beings possess the rich ability to act with creative power based on their humanity when they can agree with their work from within.

All humans inherently possess the ability to accept and acquire sensory experiences, and everyone uses sound, color, touch, and spatial awareness to ensure their safety. (Excerpt) All healthy individuals are, when speaking, orators; actively, they are musicians, painters, sculptors, architects, and so on. Humans can give form to their own senses using various materials. The proof of this assertion lies in life itself."

—L. Moholy-Nagy, “From Materials to Architecture”

To conclude this journal, I would like to borrow the words of Michiko Yamawaki mentioned earlier. Japan often refers to modernism as something that “was exposed to the wave,” but the Yamawakis were rare Japanese who directly experienced the “wave of modernism” by participating in the Bauhaus, which is often called the first modernist educational institution.In the painting department at the Bauhaus, she was influenced by Kandinsky and Joseph Albers. Her father was a tea master of the Urasenke school, and there were two tea rooms in her family home. Having been familiar with the world of tea ceremony from a young age, she became a bridge between Japanese and German culture, introducing Japanese culture to Germany at the time. The following is an excerpt from Michiko Yamawaki's book, “Bauhaus and Tea Ceremony.”

"If I were to summarize what I learned at the Bauhaus in one sentence, it would be ‘the ability to see things.’ Research the characteristics of materials and discover their beauty. Then, create a unique structure based on the properties of the materials, carefully consider their form, and firmly connect them to their intended purpose. This approach can be applied to architecture, interior design, sculpture, painting, textiles, dyeing, and other fields. Observing things is a free act, but it is important to have a foundation of sensory perception, theory, and technique. This applies equally to the world of tea ceremony. The functionality of tea ceremony utensils resembles the Bauhaus principle of eliminating unnecessary elements. By reducing unnecessary elements to the absolute minimum, the remaining elements possess a presence as if they had always been there, harmonizing seamlessly.

(Excerpt)

In the world of tea ceremony, one gains an understanding of the properties of materials by kneading clay or weaving bamboo with one's hands to create tools. This is similar to the Bauhaus teaching of understanding the properties of materials through all the senses.

Text：Gentaro Ishizuka

LICHT gallery will exhibit and sell original prints of modernist architecture by Gentaro Ishizuka, a photographer who has been photographing modernist architecture around the world for eight years on assignment for ANA's in-flight magazine. The prints will be updated regularly with the journal.

Ishizuka travels with a large-format film camera to places where historical modernist architecture still lives and breathes, and handles everything from photographing to darkroom prints himself. The Prints produced over a long period of time are also attractive as a material. The fragmented images of modernist architecture and the products placed in LICHT studio serve as a mediator, creating a space where reality and imagination intersect, and serenely posing the questions Ishizuka also poses in his journal.

The second print depicts the Bauhaus school building in Dessau, Germany, designed by Walter Gropius.

Edition 3, 63cm x 50cm (framed size), ￥380.000 + tax
Please contact the store for more information.

Gentaro Ishizuka
Born 1977, Tokyo.In 2004 she won the Newcomer's Award of the Japan Professional Photographers Society, and was subsequently selected as an overseas artist-in-residence by the Agency for Cultural Affairs in 2011. In his early work, he used a method that crosses documentary and art, and his photo collection PIPELINE ICELAND/ALASKA (published by Kodansha), the culmination of his work, won the 2014 Higashikawa New Photographer Award. He also won the Grand Prix at the Steidl Book Award Japan in 2016, and his photography book GOLD RUSH ALASKA will be published by Steidl in Germany In 2019, at the exhibition Syncopation: century masters and contemporary art at the Pola Museum of Art, She made a splash with an installation arranged in comparison to modern paintings by Cézanne, Magritte and others, and was the main visual for the ‘Domani: Tomorrow’ exhibition at the National Art Center, Tokyo in 2022. In recent years, he has attempted to reinterpret the spatiality of photographic expression in the age of social networking services (SNS), where photography has become all about plain information, with three-dimensional works using photographic paper exposed in a darkroom and mosaic-like works made by weaving photographic paper in multiple layers. 2026: solo exhibition planned at the Nara City Museum of Photography.

@Gentaro Ishizuka